2013

Über "Das Landgericht", Roman von Ursula Krechel

(Im Februar 2013 in Luxemburg erschienen)

Als bester deutschsprachiger Roman des Jahres wurde „Das Landgericht“ von Ursula Krechel 2012 mit dem „Deutschen Buchpreis“ ausgezeichnet. Es geht darin um die Verhältnisse im Justizwesen von Nachkriegsdeutschland (West), die die Autorin scharf und eindrücklich schildert. Zehn Jahre lang forschte sie in den Archiven. Jeden Fehltritt der Nachkriegsjustiz, den sie erwähnt, kann sie mit Zitaten belegen.

Ihr Roman schildert einen Berliner Richter jüdischer Herkunft, der 1933 von den Nazis aus dem Beamtentum entlassen und dem jegliche Tätigkeit als Jurist verboten wurde. Noch 1939 flüchtete der Mann nach Kuba, nachdem er seine zwei Kinder mit einem Transport nach England hatte in Sicherheit bringen können.

Seine Frau, die keine Jüdin ist und immer zu ihm hält, bleibt in Deutschland. 1948 kehrt er zu ihr zurück, diese Ankunft eröffnet den Roman. Erst jetzt erfährt er, dass die Nazis ihm auch die deutsche Staatsangehörigkeit genommen haben, und ein erster Heimkehrer-Schock besteht darin, dass die bundesrepublikanische Obrigkeit sie ihm keineswegs automatisch zurückerstattet, sondern ihn als “staatenlos“ behandelt! Er, der mit Leib und Seele preußischer Beamter war, muss nun einen Antrag stellen, um wieder als „Deutscher“ zu gelten. Es sind Demütigungen dieser Art, die ihn mit der Zeit zermürben. Er wird tatsächlich wieder als Richter eingestellt, aber die Demütigungen hören nicht auf. Als Muster dafür hier ein Aktenvermerk, mit dem auf eine Beschwerde geantwortet wurde:

<Die dienstliche Beurteilung beschränkt sich auf die Feststellung, dass zeitweise Spannungen bestanden haben, und läßt die Frage offen, wer diese Spannungen verursacht und auf welcher Seite „vielleicht’“ eine „persönliche Empfindlichkeit“ mitgespielt hat. Aus dieser Feststellung können daher keine Ihnen nachteilige Schlußfolgerungen gezogen werden. Das gleiche gilt für den Hinweis auf Ihren Gesundheitszustand. Ebenso wenig läßt sich bestreiten, dass Sie in Ihrer äußeren Erscheinung „etwas massig“ wirken. Diese sachlich richtigen Feststellungen können Ihnen nicht zum Nachteil gereichen, da sie Tatsachen entsprechen, die von Ihnen nicht zu vertreten sind. Hiervon abgesehen sind Bemerkungen über den Gesundheitszustand und über die äußere Erscheinung eines Beamten als „dienstliche Urteile über seine Person“ anzusehen, so daß schon aus diesem Grunde eine vorherige Anhörung des Beamten nicht erforderlich ist. ( 42 Abs. 1 BGB).>

Nun ist Krechels Roman keine Dokumentation, sondern Literatur. Getragen wird er durch die Hauptperson, den Landgerichtsdirektor Dr. Kornitzer. Indem wir miterleben, was ihm zustößt, zieht uns die Verfasserin in seine Welt hinein, oder bemüht sich darum. Gelingt es ihr? Worauf legt sie Ihr Hauptgewicht? Auf Liebe, Zorn, Angst oder Trauer? Nein, leider nicht. Sie kennt auch keinen Unterschied zwischen „deutsch“ und „jüdisch“. Bei ihr erscheint Kornitzer nur nominell als Jude, er interessiert sich für das Jüdische nicht, und so leuchtete es ihm gar nicht ein, dass die Nazis ihn verfolgten. Die Autorin selbst widmet sich nur minimal den Besonderheiten des Judentums, indem sie ein paar Rituale beschreibt. Bemerkungen wie die, Kornitzers Mutter habe den Beistand ihres Sohnes für alles außer ihrer Vermögensverwaltung benötigt, könnten sogar leicht als antisemitisch gelesen werden.

Das Judentum ist nicht Krechels Thema. Sie zielt auf das deutsche Beamtenwesen, insbesondere die Justiz. Nach dem Krieg widmeten sich die Beamten in ihrer Mehrheit vor allem dem Erhalt der eigenen Einkommens- und Statuslage. Das beschreibt sie ausführlich und anschaulich. Wer aus dem Ausland kam und sich in dieses System wieder einfügen wollte, durfte sich nicht auf Sonderrechte berufen, er hätte sich dem allgemeinen Opportunismus anpassen sollen. Kornitzer bezieht und bezog seine Identität jedoch einerseits aus der Rechtschaffenheit des idealisierten preußischen Beamten, andererseits aus seinem Standesbewusstsein. Damit hoffte er, die Demütigungen hinter sich zu lassen. Welcher Opportunist aber würde sich mit der Frage nach „Demütigungen“ befassen? Jedes Verständnis ist ausgeschlossen. Kornitzer wird krank, geht unter.

In den vorweihnachtlichen Buchempfehlungen verschiedener Zeitungen fand ich keine, die sich Leser für „Das Landgericht“ gewünscht hätte. Liegt das nun daran, dass die Deutschen sich nicht mit der eigenen Hässlichkeit konfrontieren wollen?

Viele Kritiker haben den Roman als misslungen, als unlebendig verurteilt. Aus gutem Grund: Kornitzer wird über sein Berufsbeamtentum hinaus kaum als fühlender, als suchender, als warmherziger Mensch beschrieben. Zwar heißt es an einer Stelle, er habe keinen Zugang zu seinen Gefühlen, doch wird das nur behauptet; die Autorin hat sich überdies entschieden, zwischen den Überlegungen und Gefühlen ihres Protagonisten und ihren eigenen oft keinen Unterschied erkennen zu lassen. Die Leser/in weiß also nie recht, wer ihr gegenübersteht. Man wird nicht warm mit der Figur.

Indem das „Opfer“ als ein blasser Schatten der „Täter“ auftritt, als Rechtehaber gegenüber denen, die das Gesetz auf ihre Seite ziehen, geht im Grunde eine klare Unterscheidung zwischen Recht und Unrecht verloren. Wäre Kornitzer von den Nazis nicht als „Jude“ etikettiert worden, hätte er sich dann in den 50er Jahren wesentlich anders verhalten als seine Kollegen? Die Antwort bleibt offen, und das ist der tiefere Makel des Romans.

10. Januar 2013

Ist im Februar 2013 in „kulturissimo“ erschienen

Sechs Künstlerinnen – Geschichten mit Eigensinn

Brigitte Baldelli und Barbara Höhfeld

(Erschien im März 2013 in Luxemburg)

Eine Künstlerinnengeneration möchten wir vorstellen: geboren zwischen 1952 und 62 in Luxemburg, gehören die Sechs in eine Zeit des Umbruchs. Während sie anfangs lernten, dass Obst zum Einmachen da ist und das Mehl zum Kuchenbacken, gerieten sie als Erwachsene ins Internet, sie lernten, dass Verreisen einen nicht mehr ganz weg bringt, und dass man durch Fernsehen und Telefon oft nicht mehr ganz da ist. Kuchen und Obst liefert der Supermarkt. Alle Sechs erhielten eine gediegene künstlerische Ausbildung, sie sind Profis. Darüber hinaus ist ihnen gemeinsam, dass sie sich durch alle Veränderungen hindurch ihren Eigensinn bewahrt haben.

Auf drei Seiten skizzieren wir, als Anregung für Leser und Leserinnen, einige Aspekte der Werke dieser Generation.

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BADY MINCK

Für längere Zeit spezialisierte sie sich auf Animationsfilme; mit „Mecanomagie“ aus dem Jahr 1996 emanzipierte sie sich von „Obst und Kuchen“, sozusagen. Es war kein Zeichentrickfilm, sondern die Bilder stellten „echte“ Landschaften und Personen aus dem Luxemburger Norden dar; im Film aber bewegten sie sich per Einzelbildschaltung und erhielten dadurch einen hohen Grad von Unwahrscheinlichkeit. Der „Jitzert“ zumal, ein Raser zu Fuß, mit „natürlichen“ Augen nicht wahrzunehmen, - drückte er dem Film seine Geschwindigkeit auf. Vom Säen, Wachsen, Ernten sollte erzählt werden – doch nichts stimmte mehr mit den Erfahrungen überein. In diesem sechzehnminütigen Streifen schlägt die Epoche Purzelbaum.

Bady Minck verließ Ettelbrück, schlug neue Wurzeln in Wien und drehte noch eine ganze Reihe von Animations- und anderen Filmen. Sie zeigte sie auf internationalen Filmfestivals, sie erhielt Preise, sie wurde eingeladen. Gegenwärtig ist sie zurück in Luxemburg, bringt Produktionsfirmen und ihre Beziehungen mit. Jüngst trat sie in Luxemburg als Ko-Produzentin eines Films von Margarethe v. Trotta über Hannah Arendt auf.

Zufällig kam das nicht. Schon lange denkt Bady Minck auch politisch. So schuf sie im Jahre 2000 die „Elektrozelle“ (damals, als Jörg Haider in die österreichische Regierung eintrat), die konkret einen Monat lang am Karlsplatz in Wien stand, die gleichzeitig virtuell als „Elektrofrühstück“ in achtzehn Ländern Europas zu besuchen war, ständig aktualisiert und das mehrere Jahre lang.

Bady Minck hat auf ihre Weise verstanden, dass jede Idee eine physische Grundlage braucht, oder Erdung; dass das Physische sich in der Ästhetik äußert und dass die Ästhetik sich ändern muss, wenn sie in der Wahrheit bleiben will. Alles zusammen erfordert aber auch eine Geschäftsbasis. Sie handelt danach. Eine große Künstlerin, ein großer Mensch!

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Pascale Velleine

Sie nahm sich früh vor, Comix-Geschichten zu zeichnen, und das ist, was sie tut. Sie zeichnet und erzählt.

Doch sind es keine Standard-Geschichten, wo jeder von vornherein weiß, wie es ausgehen wird. In manchen Geschichten denkt man, wenn man bis zu ihrem Ende gelangt ist: Natürlich, konnte ja nicht anders laufen, doch am Anfang versteht man es noch nicht. Außer bei ihren Neujahrsgrüßen: da ahnt man, dass einer, der erst um fünf vor zwölf aufbricht, dennoch, und reise er auch um die halbe Welt, pünktlich um Mitternacht vor der Haustür stehen wird, um sein „Bonne Année!“ zu rufen. Und immer erzeugt das ein Schmunzeln, weil jeder schon einmal zu spät aufgebrochen ist und trotz aller Unmöglichkeit den Wunsch hegt, noch rechtzeitig anzukommen.

In den 80er Jahren zeichnete sie die Augen oft als Punkt. Mit Punkt-Augen erzeugte sie Blicke, nur durch diese Punkte, die sie mit einer spitzen schwarzen Feder an die richtige Stelle ins Gesicht setzte. Sie probierte auch kleine Spiralen oder Kreise oder Striche aus. Gegenwärtig malt sie Augen nach dem Manga-Prinzip: riesengroß und mit drei weißen Kreisen auf dem Augapfel. Aber es sind immer wieder individuelle Augen, keins gleicht dem anderen, und die ausgesandten Blicke schon gar nicht. So sind ihre Comix-Figuren: stilisiert, bunt, mit individueller Note. Einmalig.IN

In ihrem Monatskalender von 2013, mit dem sie neue Wege ausprobiert, zeigt der Februar eine Frau mit Kind, sehr zeitgemäß: die Mutter mit kunstvoll geschminktem Mund und grüner Sonnenbrille, mit Wimpern so lang, dass sie weit unter der Sonnenbrille hervorragen, mit schlanken Armen, während der Kopf des Kindes – mehr sieht man von ihm nicht – aufschaut zur Mutter, mit riesigen, traurigen, sehnsüchtigen Augen, den Mund undeutlich verzogen, als kämpfte es mit den Tränen. Dies alles stilisiert, typisch Comix, d.h. humorvoll übertrieben. Das Manga-Genre unterstreicht das noch. Die Bande Dessinée als weibliche Weltsicht, als die Wirklichkeit von Frauen, das ist Pascale Velleine.

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Nathalie Zlatnik I

In einer Bühnen-Deko können sich Schauspieler manchmal verstecken; manchmal können sie vor ihr groß und einzigartig erscheinen. Es kommt auch vor, dass die Schauspieler gegen eine Kulisse anspielen müssen. Daraus kann Spannung entstehen, so groß, das die Zuschauer gebannt werden, den Blick nicht lösen können, den Atem anhalten. In diesem Spannungsfeld entfalten sich Beziehungen.

Ein solches Bühnenbild gestaltete die Malerin Nathalie Zlatnik für das „Letzebuerger Frauentheater“ 1989 in der Escher Kulturfabrik. In der Amateurtruppe, die ihre Arbeit sehr ernst nahm, wurde heftig das Für und Wider dieser Deco diskutiert; drei Stoffbahnen sollten die ganze Rückwand bedecken; schließlich einigte sich die Truppe auf eine einzige; das war die richtige Entscheidung.

Warum erhitzt Nathalies Malerei die Gemüter? Ist es, weil sie nur ihrer Intuition und ihrem Verstand folgt? Sie ging die gleichen Ausbildungswege wie ihre Kolleginnen, doch vermag sie stärker als sie das Unausgesprochene in Bilder umzusetzen, das Unausgesprochene oder das Nicht-Aussprechbare. Dem Betrachter fehlen häufig die Worte, um das wiederzugeben, was ihm/ihr beim Betrachten der Bilder durch Kopf und Leib schleicht. Ich merke es auch an der Hilflosigkeit von Kunstkritikern, wenn sie, ausnahmsweise, über Nathalies Bilder schreiben.

Für das Bühnenbild hatte Nathalie Zlatnik Linien gefunden, die das Verbundene und das Verworrene, die Wut und das Lachen eines Frauentheaters, also die inneren Widersprüche der mit der Emanzipation kämpfenden oder ihre eigenen Rolle in der Welt suchenden Frauen spiegelten.

Brigitte: Ich denke an die Porträts von Nathalie Zlatnik. Sie versteht es ja nicht nur haargenau die Stimmung der porträtierten Person darzustellen, sie vermag es auch ihr eine einzigartige Individualität zu verleihen, und, was wirklich immer wieder erstaunlich ist, sie ist imstande das Lebensalter in ihren Portraits wiederzugeben. Ihre Kunst ist auβergewöhnlich.

Nathalie Zlatnik II

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Simone Schwartz I

Sie gibt am wenigsten von sich preis: als einzige hat sie keine Webseite; sie käme im Internet überhaupt nicht vor, wenn nicht die „Cooperations“ in Wiltz bei der Suche mit ihrem Namen auftauchten. Dort leitet sie eine Kreativ-Werkstatt. In Wahrheit habe ich sie im Internet nicht gefunden. Aber sie malt. Sie malte vor fast 30 Jahren, sie malt heute noch immer. Sie hält sich in Distanz zum Kulturbetrieb, sie will sich nicht vereinnahmen lassen. Hat auch all die Jahre kaum ausgestellt. 1984 fand auf dem Limpertsberg die Aussstellung „14 Superleichen räumen auf“ statt; dort hingen Bilder von ihr und seitdem hängt eins ihrer Bilder bei mir zuhause. Es strahlt, bis heute unverändert, Leichtigkeit und Präsenz aus, es gibt dem Betrachter Rätsel auf, die lösen zu wollen, er/sie vergisst, wenn er/sie das Bild nur lange genug betrachtet.

Simone Schwartz II

The Tempest: Ein weißer Wolkenhimmel, durch einen sich hindurchschlängelnden blauen Tornado gespalten. Oder: ein sich spiegelndes Gehirn, und der Corpus Callosum, der Hirnbalken, welcher die rechte und die linke Hemisphäre verbindet. Es scheint, als ob die Farbkomposition weiterarbeiten würde, lange nach der Fertigstellung des Gemäldes. Es brodelt. Es sprudelt. Es wallt. Simone Schwartz ist eine Darstellung der tiefen Verbundenheit alles Seienden in der Natur gelungen, wovon der Mensch nur ein Teil ist. Und dies sind wir ja auch in der Tat. Wir sind weder die Schöpfer der Natur noch sind wir die Schöpfer des Planeten. Wir teilen uns diesen Planeten mit allen anderen Geschöpfen, wir sind Besucher. Und zwar leider momentan keine sehr respektvollen. Die Künstlerin redet von etwas wirklich Wesentlichen: es ist nur unser Bewusstsein, welches die Trennung zwischen der Welt und uns verursacht, in Wirklichkeit befinden wir uns ja nie auβerhalb von irgendetwas, sondern wir sind immer und jederzeit mittendrin.

Mir kommt Schamananismus in den Sinn. Simone Schwartz denkt die Gesundung des Menschen tief in der Eintracht mit der Natur verbunden, in dieser Verbundenheit ist eine holistische Gesundung möglich, Mensch und Natur ergänzen sich.

Ich stand vor The Tempest. Das Werk befindet sich im Privatbesitz der Künstlerin. Und je länger ich es betrachtete, um so mehr kam es mir vor, als trommele Simone Schwartz sich mit jedem Pinselstrich näher an ein heilendes Bewusstsein heran. Sie trommelt den Menschen aus seinem Kokon heraus. Ihre eigenen Worte beschreiben das Gemälde so:

Momentaufnahme meines Unterbewusstseins in Form der Darstellung einer Landschaft.

Der blaue Tornado wirbelt von der Erde hinauf in die weisse Wolke gen Himmel. Ich bin der blaue Tornado.

Ein Versuch, mich aus der Gravitation, aus dem irdischen Magnetfeld zu lösen, aufzusteigen in eine andere Dimension und trotzdem erdgebunden zu bleiben. Versuch einer Befreiung.

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Patricia Lippert I

Bei Patricia Lippert fällt mir sofort die wuchtige Kraft ihrer Zeichnungen auf. Ihre Geschöpfe strahlen eine ganz eigentümliche Energie aus, so als spazierten sie nachgerade aus der Leinwand beziehungsweise aus dem Papierbogen heraus.

Patricia Lippert II

Im Gedichtband „Frauenlyrik in Luxemburg“ von 1980 beeindruckten mich tief ihre Zeichnungen von mächtigen Weibern. Diese Kraft, diese Lebensfreude, die selbst Verzweiflung mit einbezog, schien mir seither eine ständige Begleitung von Patricia zu sein. Sie malte, sie schuf Skulpturen und Bücher, stellte aus, forschte, dachte nach. Unterschwellig wurde sie, wurden ihre Werke von dieser ursprünglichen Kraft getragen. Nun ist ihr geliebter Mann gestorben. In den UNICEF-Bildern von 2012 verarbeitet sie diesen Verlust, wie sie sagt, durch „Einverleibung“. Wird jetzt eine neue Generation von Werken entstehen? Ich bin sehr neugierig darauf.

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Marie-Josée Kerschen I

Marie-Josée Kerschen hat ihre ganz eigene Art der Welt-Anschauung, und zwar eine sehr liebe- und respektvolle. Ich bemerke das, wenn ich mir ihre Skulpturen IN der Landschaft ansehe, oder auch ihre Skulpturen-Performance auf dem Titzebierg im Jahre 2009. Oder sollte ich eher sagen: die Performance ihrer Skulpturen, da es mir scheint, als hätten ihre Figuren ein sehr spezielles und sonderliches Eigenleben entwickelt. Sie SIND ganz einfach.

Marie-Josée Kerschen zwingt nichts auf. Alles hat bei ihr seine Richtigkeit. Ich spüre nachgerade ihren Respekt gegenüber der Natur und dem Menschen, wenn ich vor einer ihrer Figuren stehe, und auch vor ihren Personengruppen. Die Vielfalt des menschlichen Reichtums durch seine Verschiedenheiten kommt mir in den Sinn. Die Figuren funktionieren ja einzeln genauso wie innerhalb der Gruppe. Ihre Skupturen hinterlassen bei mir den Eindruck, als dächte sie nicht die Frau oder den Mann im besonderen, sondern den Menschen in seinem Versuch der Sozialisation, in seinem Versuch zum wirklichen Verständnis des Anderen, in seinem Versuch der Akzeptanz seiner Verschiedenheit und seiner gleichzeitigen Gleichheit. Sie androgynisiert förmlich ihre Figuren: ein Baumstamm, zur Figur geworden, verleiht ihm etwas profund Menschliches. Menschlicher vielleicht als ich mir manche Menschen vorzustellen vermag ...

Der Schein der Dinge scheint bei dieser Künstlerin auf magische Weise in einer wunderlichen Balance zu stehen: Sie bedient sich respektvoll eines Baumstammes, den sie liebevoll anthropomorphisiert, um ihm ein Gesicht, eine Figur, eine eigene Geschichte zu verleihen, und um ihn dann wiederum in sein natürliches Umfeld zu: befreien. Sie wird hiermit zur Heilerin. Das verbindet sie mit Simone Schwartz.

Marie-Josée Kerschen II

Auf der Remicher Promenade steht seit ungefähr dreißig Jahren eine lebensgroße Stein-Figurengruppe von ihr. Ursprünglich ein Mann, eine Frau, ein Kind; doch hat der Stein der Witterung nicht standgehalten. Das Kind sei inzwischen ganz verschwunden, so wurde mir berichtet, und der Frau sei der Fuß weggebrochen. Diese Figuren sind vollständige Menschen und gleichzeitig Symbole. Sie stehen einander zugewandt, und darüber hinaus werden sie durch eiserne Stangen mit einander verbunden. Diese Stangen, so erklärte ich es mir damals, als ich sie kurz nach ihrer Aufstellung betrachtete, dienten der Statik der Skulptur. Wie aber, wenn sie das Zusammengeschweisstsein der traditionellen Familie versinnbildlichten? Diese Zwangsgemeinschaft, in der jeder auf den andern angewiesen war und wo einer den andern manchmal bitter hasste? Wo nur noch der Tod Befreiung verhieß?

Diese Figuren besaßen einen ganz „normalen“ Körper mit Muskeln, mit allen menschlichen Merkmalen. Ihre Haltung war die von Menschen, die leiden, die schwere Last tragen. Mit ihnen nahm sich Marie-Josée Kerschen sehr viel vor. Später, irgendwann vor vielen Jahren, haben die Figuren von Marie-Josée Kerschen den Körper verloren. Noch immer stehen sie hochgewachsen an ihrem Ort, aber nur die Köpfe sprechen, und sie sprechen eine so starke Sprache, dass anscheinend niemand die Körper vermisst. Ja, das Poetische, das Guy Wagner in seinem Aufsatz von 2000 so deutlich bei Marie-.Josee Kerschen verkörpert sah, entstand unter anderm vielleicht gerade dadurch, dass der Blick nicht durch Bauch oder schlanke Beine oder einen etwas gebeugten Rücken abgelenkt wurde.

Inzwischen stehen die schönen Köpfe auf hohen schmalen Stelen, die Teil der Skulptur geworden sind. Dieses Wachsen der Köpfe aus dem Holz erinnert mich nun wieder an Bady Mincks Film „Mecanomagie“, wo der Kuchen fertig vom Baum zu pflücken ist, wo wabbeliges Gehirn inmitten eines Steins entdeckt wird, wo die Kinder aus dem Acker sprießen. Die Kunst kehrt ins Gewachsene zurück.

Erschienen im März 2013 in „kulturissimo“, Kulturbeilage des“tageblatt“ aus Esch/Alzette